Por Wilfred Gadêlha 

Quando entrei no galpão da antiga Fábrica Caroá, no Espaço Cultural Tancredo Neves, em Caruaru, minha primeira reação foi de estranhamento. E olha que eu já estava por dentro da terceira edição da Bienal do Barro do Brasil, conhecia a proposta curatorial, sabia quem eram os artistas e, como integrante da equipe de comunicação, acompanhava os últimos ajustes. Ainda assim, foi preciso caminhar pelo espaço, observar as obras e começar a compreender as relações estabelecidas entre elas para perceber que havia muito mais naquela Bienal do que a palavra “barro” poderia sugerir à primeira vista. Talvez seja justamente essa uma das funções da arte: provocar, incomodar, retirar as pessoas da zona de conforto e apresentar outras possibilidades de interpretação do mundo.

Essa surpresa não aconteceu por falta de familiaridade com o barro. Sou de Goiana, na Zona da Mata Norte de Pernambuco, onde a tradição da cerâmica tem nomes como Zé do Carmo, conhecido por seus anjos cangaceiros, Tog, Gercino Santo e tantos outros artistas. Na mesma região, Tracunhaém consolidou-se como outro importante polo da produção ceramista pernambucana. Venho, portanto, de um território onde o barro faz parte da paisagem, da cultura e da própria história social, marcada pelo massapê, terra que alimentou durante séculos a economia da cana de açúcar, produzindo riquezas, mas também sustentando relações de exploração e profundas desigualdades. Pra mim, o barro nunca foi distante ou desconhecido. Mas o que a Bienal me apresentou foi a possibilidade de enxergá-lo por outros caminhos, para além das manifestações tradicionais que ajudaram a construir a identidade cultural de cidades como Goiana, Tracunhaém e, principalmente, Caruaru.

Essa percepção foi se tornando mais clara à medida que obras aparentemente distantes começaram a estabelecer conexões. Uma criação de Adones Valença, de Belo Jardim, por exemplo, dialoga com as fotografias de caixas d’água na Cisjordânia apresentadas por Isabela Prado, de Belo Horizonte, num encontro de territórios e experiências que dificilmente seria associado, de imediato, a uma bienal dedicada ao barro. O mesmo acontece com trabalhos que partem da tradição ceramista para construir linguagens próprias, sem necessariamente reproduzir aquilo que o público costuma esperar da produção artística do Agreste. A experiência demonstra que o barro, para além de matéria prima, pode funcionar como ponto de partida para discussões sobre território, identidade, desigualdade e sobrevivência.

Desafios da Bienal

Realizada de 3 a 28 de novembro, a terceira edição da Bienal do Barro do Brasil reúne dez artistas brasileiros e portugueses em torno do tema “Escassez e abundância: rotas de fuga”. A proposta utiliza diferentes linguagens, como cerâmica, fotografia, instalações, vídeos, gravuras e performances, para discutir questões que atravessam a realidade contemporânea. “Esta Bienal se assume como um espelho de sobrevivência coletiva”, afirma o curador Carlos Mélo. A definição ajuda a compreender uma exposição que não pretende apenas reunir obras, mas estabelecer diálogos entre diferentes experiências artísticas, sociais e territoriais.

Para o produtor Luiz Barbosa, que está no projeto desde as duas primeiras edições, realizar uma exposição dessa natureza em Caruaru representa um desafio que começa muito antes da abertura ao público. Não se trata apenas das dificuldades habituais de produção, montagem e organização de um evento cultural, mas também de apresentar a arte contemporânea a um público que nem sempre está familiarizado com determinadas linguagens. “Trazer arte contemporânea pro Agreste é um desafio um pouco maior, porque é uma região ainda um pouco carente desse tipo de evento”, observa. Ou como diz Carlos Mélo: “O Agreste era uma região de passagem. Na expressão, ‘do litoral ao Sertão’, o Agreste fica de fora’”.

Para Barbosa, o próprio nome da Bienal do Barro cria expectativas que acabam sendo contrariadas quando as pessoas entram no espaço expositivo, esperando encontrar predominantemente peças de cerâmica figurativa, jarros e objetos artesanais. Ele lembra que a escolha de Caruaru como sede foi motivo de questionamentos dentro da própria equipe, especialmente diante da possibilidade de realizar o evento na Região Metropolitana do Recife, onde há maior concentração de equipamentos culturais e espaços de circulação da arte contemporânea. A decisão de manter o projeto no Agreste foi defendida pelo curador, natural de Riacho das Almas, vizinha à Capital do Forró, e transformou também a percepção do produtor sobre a relação entre a exposição e a cidade. “Até a gente abrir a primeira, eu ficava sem entender por que tinha que ser aqui. Agora eu não vejo esse projeto em outro lugar”, afirma.

O sentimento de pertencimento também aparece quando Mélo fala sobre os artistas locais. Ele cita o caso de Terezinha Gonzaga, que durante anos desenvolveu trabalhos autorais, mas acabou concentrando sua produção no artesanato diante das necessidades cotidianas. Para esta edição da Bienal, a artista voltou a produzir peças inéditas, retomando uma experiência criativa que havia ficado em segundo plano. O resultado ultrapassou a exposição, despertando novas perspectivas de circulação de seu trabalho. A experiência de Terezinha revela como eventos dessa natureza podem interferir diretamente na trajetória dos artistas, não apenas pela visibilidade, mas também pelo estímulo à criação.

“O barro é religião”

A presença de artistas ligados à história cultural de Caruaru é um dos aspectos importantes desta edição. Além de Terezinha Gonzaga, participam Ratinho e Tavares da Gaita, músico e artista visual nascido em Taquaritinga do Norte, radicado em Caruaru e falecido em 2009. A exposição apresenta obras inéditas de Tavares, ampliando o conhecimento sobre uma trajetória que não se restringiu à música, atividade pela qual se tornou mais conhecido. A participação desses artistas estabelece uma relação direta com a tradição cultural da cidade, mas demonstra que ela não pode ser reduzida a uma única linguagem.

A presença pernambucana inclui ainda Adones Valença, de Belo Jardim, e Edson Atikum, de Carnaubeira da Penha. Completam a exposição Anna Bella Geiger, do Rio de Janeiro; Amanda Nunes, de Ceilândia, no Distrito Federal; Isabela Prado, de Belo Horizonte; Toni Graton, de Curitiba; e Beatriz Albuquerque, do Porto, em Portugal. 

Para Ratinho, artista do Alto do Moura, a participação na Bienal representa o reconhecimento de uma trajetória construída a partir da confiança na própria produção. “Isso é quando a gente enxerga que nosso trabalho, de todo o tempo, sempre esteve no caminho certo, que é a arte autoral”, afirma. Sua declaração também revela as dificuldades enfrentadas por artistas que procuram desenvolver linguagens próprias em um ambiente onde determinadas manifestações tradicionais acabam estabelecendo expectativas sobre o que deve ser produzido.

Ao falar sobre o barro, Ratinho estabelece uma relação que ultrapassa a dimensão material e se aproxima de uma concepção espiritual da criação. “O barro é entidade, o barro, para mim, é religião”, afirma. Para ele, a matéria está ligada à própria existência humana, à transformação e à possibilidade de permanência por meio da arte. “A arte de Caruaru é resistência. Ela sempre esteve aqui”, resume Ratinho, ao defender que a produção local seja reconhecida para além das imagens mais difundidas da cidade.

O depoimento aponta para uma questão que atravessa a Bienal: a necessidade de reconhecer a importância de Mestre Vitalino, Mestre Galdino e de tantos outros nomes fundamentais sem transformar esse legado numa fronteira que limite as possibilidades de criação das novas gerações.

A Bienal como aprendizado 

A experiência de quem acompanha diariamente o público revela outra dimensão da Bienal. Aos 22 anos, a caruaruense Maria Clara Anconetani, estudante de Comunicação Social da Universidade Federal de Pernambuco, participa pela primeira vez da monitoria de uma exposição desse porte. Seu trabalho consiste em apresentar as obras, contextualizar as propostas dos artistas e estabelecer um diálogo com os visitantes, mas ela percebeu que a atividade também se transforma numa oportunidade permanente de aprendizado. “Eu explico do que se trata, vou tentando explicar de quem é a obra e qual a proposta, e eles sempre entram com algum tipo de intervenção, perguntando o que eu acho, qual a minha perspectiva da obra, e eles sempre dão a perspectiva deles”, conta.

Para Maria Clara, a proposta da Bienal permite apresentar ao público outras possibilidades de criação e questionar imagens cristalizadas sobre a produção artística nordestina. “É uma coisa que a gente pensa muito, que a gente quer ver: a fuga desses estereótipos que o Nordeste carrega, esses estereótipos que a arte de barro carrega”, observa. Entre os nomes que destaca está Terezinha Gonzaga, cuja trajetória conheceu mais profundamente por meio das obras expostas. O contato com o público também modificou sua maneira de interpretar a arte, numa experiência em que ensinar e aprender acabam se tornando atividades inseparáveis.

A coordenadora do educativo, Merielle Lino, compartilha uma percepção semelhante. Ela participou da segunda Bienal, na produção e montagem. Neste ano, assumiu a responsabilidade pelas atividades educativas. Arteterapeuta, considera que o contato com os artistas, suas obras e os diferentes públicos contribui diretamente para sua formação profissional. “Pra mim é um alimento, porque eu trabalho com arte e sou arteterapeuta, então pra mim ter contato com os artistas é incrível”, afirma.

Méri também identifica na exposição uma oportunidade de questionar as expectativas do próprio público de Caruaru. “A gente sacode um bocado a cabeça do caruaruense, porque a Bienal sempre traz coisas bem diferentes. E as pessoas vêm achando que vão ver só coisa de barro”, observa. 

Moradora do Alto do Moura, Méri conta que uma das obras que mais a impressionaram foi o vídeo de Ratinho sobre o descarte de restos de animais no meio ambiente. Apesar de sua ligação com o território, desconhecia aspectos daquela realidade apresentados pelo artista. A experiência demonstra que a arte também pode revelar questões pouco percebidas em lugares aparentemente familiares, ampliando a compreensão sobre a própria cidade e suas contradições. Nesse sentido, o trabalho educativo não se limita à apresentação das obras, mas participa da construção de novas relações entre o público, os artistas e o território.

A presença de Anna Bella Geiger acrescenta outra dimensão à exposição. Aos 93 anos, a artista chegou pela primeira vez a Caruaru trazendo uma trajetória de projeção internacional, marcada por trabalhos que discutem território, cartografia, identidade e relações de poder. Recentemente, recebeu o Prêmio Velázquez de Artes Plásticas, concedido pelo Ministério da Cultura da Espanha, uma das mais importantes distinções internacionais de sua carreira. Na Bienal, apresentou a performance “O Pão Nosso de Cada Dia”, trabalho que utiliza o gesto de comer pão para construir uma reflexão sobre a representação do território brasileiro.

Durante sua passagem pela cidade, Anna Bella demonstrou interesse pela relação entre a tradição ceramista e a Caruaru contemporânea. “É claro que eu sou do tempo ainda do Mestre Vitalino. E quando eu vi as primeiras imagens do Vitalino, aquilo já era uma maravilha”, recordou. A artista lembrou que a produção em barro de Caruaru circula há décadas pelo Brasil, inclusive no Rio de Janeiro, onde desenvolveu grande parte de sua trajetória. Sua impressão da cidade, entretanto, não ficou restrita à memória da cerâmica figurativa. “É uma cidade moderna, é uma cidade atual”, afirmou, destacando o desenvolvimento urbano e as características que encontrou durante a visita.

Para Anna Bella, a produção artística mantém uma relação profunda com os materiais e as experiências dos territórios. “No mundo inteiro é assim, a vocação de um local vem com os materiais da terra”, observou. A reflexão aproxima sua trajetória, marcada pela experimentação e pela investigação de questões políticas e geográficas, da tradição de artistas que encontraram no barro uma forma de expressão e de construção de identidade. Sua presença na Bienal demonstra como diferentes gerações e linguagens podem compartilhar um mesmo espaço expositivo, estabelecendo conexões que não dependem necessariamente da utilização dos mesmos materiais.

A proposta de contrariar expectativas não está presente apenas nas obras. Ela também orientou a criação da identidade visual da terceira Bienal, desenvolvida pela designer Isabela Faria. Em vez de recorrer diretamente às imagens tradicionalmente associadas ao barro de Caruaru, como figuras humanas, jarros e elementos da cerâmica figurativa, a marca utiliza formas geométricas e uma composição visual que procura estabelecer outras relações com o tema curatorial.

Segundo Isabela, a intenção foi justamente provocar uma reação de estranhamento, fazendo com que o público percebesse que a exposição não estaria limitada às manifestações mais conhecidas do artesanato local. “A gente quis trazer essa ‘contradição’. A gente fez isso pra você ficar realmente mais instigado”, explica. As escolhas visuais procuram dialogar com elementos como terra, água e transformação, sem recorrer a uma representação literal da matéria prima.

As discussões apresentadas pela Bienal também encontram correspondência fora do espaço expositivo. Caruaru construiu uma parte significativa de sua identidade e de sua projeção nacional a partir da cultura, especialmente do São João, da música, do artesanato e da produção artística do Alto do Moura. Essa riqueza, entretanto, convive com dificuldades históricas relacionadas às condições de trabalho, ao financiamento e à circulação da produção cultural. O reconhecimento simbólico dos artistas nem sempre encontra correspondência nas condições materiais oferecidas para que possam desenvolver suas atividades.

Um exemplo recente dessa contradição é a mobilização de artistas e produtores culturais em torno das regras de pagamento previstas para o São João de Caruaru de 2027. A proposta inicial da Prefeitura estabelecia um prazo de até 90 dias após o encerramento dos festejos para a quitação dos cachês, o que poderia fazer com que profissionais contratados para apresentações realizadas em junho recebessem apenas no final de setembro. Após a reação dos artistas, o prazo foi reduzido para 60 dias, mas as reivindicações continuaram, com a defesa de condições mais favoráveis de remuneração e maior participação dos profissionais nas decisões relacionadas à festa.

A Prefeitura justificou o prazo pela necessidade de aguardar repasses dos patrocinadores. Para os artistas, entretanto, a discussão envolve o reconhecimento do trabalho cultural como atividade profissional, que exige planejamento, investimento e remuneração. O debate evidencia uma contradição que não se limita ao São João: uma cidade que utiliza a cultura como elemento central de sua identidade e de sua economia também precisa discutir de que maneira valoriza concretamente os trabalhadores responsáveis por essa produção.

Embora a Bienal e o São João sejam iniciativas distintas, com características e modelos de organização diferentes, os dois acontecimentos permitem observar dimensões de uma mesma realidade cultural. A abundância está na diversidade de artistas, linguagens, conhecimentos e manifestações que fazem de Caruaru uma referência nacional. A escassez aparece nas dificuldades de financiamento, nas oportunidades limitadas de circulação e nas condições enfrentadas por profissionais que procuram viver de sua produção artística. Não se trata de estabelecer uma relação direta entre os dois eventos, mas de reconhecer que a discussão sobre a cultura de uma cidade não pode ficar restrita à celebração de suas manifestações mais conhecidas.

Nesse contexto, o tema “Escassez e abundância: rotas de fuga” adquire uma dimensão que ultrapassa a proposta curatorial. A capacidade de criação dos artistas não elimina as dificuldades materiais que atravessam suas trajetórias, assim como a riqueza cultural de Caruaru não significa, necessariamente, que todos os seus produtores encontrem condições adequadas para trabalhar. A  experiência de Terezinha Gonzaga demonstra como as necessidades cotidianas podem interferir nas possibilidades de criação autoral, levando artistas a reorganizar sua produção em função das exigências de sobrevivência.

A realização de uma bienal de arte contemporânea no Agreste também pode ser compreendida como parte de uma discussão sobre a descentralização dos circuitos artísticos e a necessidade de ampliar oportunidades fora dos grandes centros. A presença de artistas locais ao lado de nomes de projeção nacional e internacional cria possibilidades de intercâmbio, reconhecimento e circulação, mas também coloca uma questão sobre a continuidade dessas experiências depois do encerramento da exposição.

O que vem depois

Ao final de novembro, as instalações serão desmontadas, os artistas retornarão às suas cidades e o antigo galpão da Fábrica Caroá voltará a receber outras atividades. A terceira Bienal do Barro do Brasil, entretanto, deixa questões que não se encerram com o calendário da exposição. Entre elas, a necessidade de ampliar os espaços de circulação da arte contemporânea no interior, fortalecer o diálogo entre diferentes gerações de artistas e discutir as condições necessárias para que a produção cultural não dependa apenas de iniciativas pontuais.

Caruaru tem no barro uma de suas principais referências culturais, construída ao longo de gerações de artistas que transformaram a matéria-prima em identidade, trabalho e expressão. A Bienal não pretende substituir essa história, mas demonstrar que ela continua aberta a outras interpretações e possibilidades. Ao reunir diferentes linguagens, territórios e experiências humanas, a exposição mostra que o reconhecimento da tradição pode caminhar ao lado da experimentação, sem que uma dimensão precise anular a outra.

Dentro do barro há memória, trabalho, criação, conflitos, descobertas e histórias que ultrapassam as formas que a matéria pode assumir. Há também uma cidade que precisa continuar discutindo o lugar de seus artistas, as condições de produção cultural e as possibilidades de construir relações mais permanentes entre arte e sociedade. Talvez seja essa uma das contribuições mais importantes da Bienal: mostrar que a riqueza cultural de Caruaru não está apenas naquilo que a cidade já produziu, mas também no que seus artistas ainda podem criar.